Die Magie der Dinge – Stilllebenmalerei 1500–1800
07.09.2008 – 04.01.2009 | Kunstmuseum Basel
Von Dr. Bodo Brinkmann*
Tautropfen auf zarten Blütenblättern, Lichtreflexe auf kostbarem Silbergeschirr, kandiertes Zuckerwerk in blau-weissen chinesischen Porzellanschälchen, das weiche Gefieder eines toten Singvogels, der fahle Ton eines Totenschädels: Stillleben faszinieren bis heute durch den nahsichtigen Blick auf nicht lebende – doch keineswegs leblose – Gegenstände, an denen sich die malerische Raffinesse des Künstlers entfaltet. Doch war die Stilllebenmalerei alles andere als eine rein ästhetische Angelegenheit: In ihr spiegelten sich nicht nur Vergänglichkeitsgefühl und Erlösungsbedürfnis, sondern auch die Freude an den dargestellten exotischen Handelswaren, mit denen etwa die holländischen Kaufleute riesige Vermögen erworben hatten.
Die Ausstellung, welche die hochkarätigen Bestände des Kunstmuseums Basel, des Städel Museums und des Hessischen Landesmuseums Darmstadt vereint, spannt mit über 90 Meisterwerken von Jan Brueghel d. Ä., Jan Davidsz. de Heem, Willem Kalf, Rachel Ruysch, Abraham Mignon, Georg Flegel, Jan Soreau, Gottfried von Wedigh und Sebastian Stosskopf den Bogen der Stilllebenmalerei in den Niederlanden und in Deutschland vom späten 15. bis ins späte 18. Jahrhundert. Damit breitet sie ein Panorama der verschiedenen Spielarten des Stilllebens aus, das die sachlich ausgerichteten Werke des frühen 17. Jahrhunderts ebenso umfasst wie die späteren Prunkstillleben, «Mahlzeiten» ebenso wie üppige Blumensträusse oder pittoreske Tierstillleben.
Seit seiner Emanzipation von der religiösen Malerei des Spätmittelalters, wo Gegenstände ihre Bedeutung in erster Linie als Symbole oder Attribute entfalteten, diente das Stillleben zunächst vor allem der Erfassung und Deutung der still liegenden Dinge aus der Alltagswelt des Betrachters. In ihnen spiegelten sich die Ordnung und Struktur der übergeordneten abstrakten Welt der Barockzeit: die Sinne oder das jeweilige Temperament des Menschen etwa, die Elemente oder die Jahreszeiten, die seine Welt prägten, oder die Vergänglichkeit und Erlösungsbedürftigkeit der sündigen Menschheit insgesamt.
Doch schon im 17. Jahrhundert fand im Stillleben auch die wirtschaftliche Lebenswelt und Realität sowohl der Maler als auch der Sammler und Auftraggeber ihren Niederschlag: Man prunkt mit exotischen Gewürzen, orientalischen Teppichen, venezianischem Glas oder chinesischem Porzellan.
Durch die Konzentration auf einige wenige, oft gleich bleibende Objekte konnte das Stillleben aber auch zum idealen Experimentierfeld künstlerischer Ausdrucksmöglichkeiten werden. Die anfangs noch starke inhaltliche Aufladung des Werks trat nun zugunsten seiner malerischen Gestaltung in den Hintergrund, ohne indes ganz fortzufallen. Gerade in der hierarchisch als niedrig eingestuften Gattung des Stilllebens musste sich die spezifische Begabung eines Künstlers zeigen, beruhten Reiz und Wert eines Werks entscheidend auf der Komposition, der sinnreichen Zusammenstellung der Gegenstände, dem überzeugenden Kolorit und dem gekonnten Pinselstrich. So legen die Gemälde auch Zeugnis ab von der Könnerschaft in der augentäuschenden Wiedergabe unterschiedlichster Materialien und Oberflächen. Verschiedenartige Beleuchtungen von der klaren Helligkeit des Tages bis zum Schein einer einzelnen Kerze wurden erprobt und für die Inszenierung mannigfaltiger Situationen und Stimmungen nutzbar gemacht.
Die Ausstellung führt dem Besucher die Entwicklungsgeschichte der Stilllebenmalerei zwischen 1500 und 1800 vor Augen und macht ihn mit den wichtigsten Bildgegenständen und -typen vertraut. Sie beginnt mit Vorformen des Stilllebens an der Wende vom Mittelalter zur Neuzeit. So illustriert die erste Abteilung den Prozess der Emanzipation des Stilllebens vom symbolbeladenen Beiwerk religiöser Gemälde zu einem Sujet eigenen Rechts. Die folgenden Abschnitte zum frühen autonomen Stillleben um 1600 mit Jan Brueghel und Georg Flegel als Hauptvertretern markiert durch eine Auswahl besonders hochkarätiger Werke einen ersten Höhepunkt der Ausstellung. Die folgenden Abteilungen zum Fisch- und Jagdstillleben sowie zu den Kartuschenbildern veranschaulichen die hochgradige Spezialisierung der Maler des 17. Jahrhunderts auf bestimmte Gattungen, die ihnen, oft Monopolisten des jeweiligen Genres in ihrer Stadt, auf dem Kunstmarkt strategische Vorteile bot.
Ganz der Prachtentfaltung, aber auch der Demonstration feinmalerischer Virtuosität dienen neben den Blumenstücken vor allem die Prunkstillleben, in der Ausstellung unter anderem durch die Familie de Heem und Abraham Mignon vertreten. Mit ihnen kontrastieren die «monochromen bankettjes», alltägliche und rustikale Mahlzeiten, denen die reduzierte Farbigkeit der Darstellung besonderen atmosphärischen Reiz verleiht. Vanitas-Stillleben bilden die nächste Werkgruppe, die in die Symbolik der barocken Bilderwelt, in ihr ganz eigentümliches Changieren zwischen sinnlichem Reiz und Mahnung an die Vergänglichkeit des irdischen Seins einführt. «Vanitas», die Eitelkeit und Nichtigkeit der Dinge, wird angedeutet durch markante Symbole wie den Totenschädel, die verlöschende Kerze oder die Uhr als Sinnbild der verrinnenden Zeit.
Dem 18. Jahrhundert ist das letzte Kapitel der Ausstellung gewidmet, in dem vor allem die Sonderleistungen einiger Individualisten den künftigen Weg der Malerei in die Moderne ankündigen. Justus Junckers etwa hebt auf einem winzigen Täfelchen eine Birne in monumentaler Grösse gleich einem Denkmal auf einen Sockel. Adriaen Coorte machte eine immer gleiche Tischecke zum Thema seiner visuellen Poesie. Der grosse französische Stilllebenmaler Jean Siméon Chardin schliesslich ist gleich mit drei seiner meisterhaften Stillleben vertreten, die mit wenigen lakonischen Pinselstrichen den Objekten eine unglaubliche Präsenz verleihen und einen glanzvollen Schlusspunkt setzen.
*Dr. Bodo Brinkmann ist seit 2008 Konservator für Alte Meister (15. – 18. Jh.) am Kunstmuseum Basel und Kurator der Ausstellung.